Ce soir a lieu la première de La Marina, pièce décapante d'Anne-Frédérique Rochat, qui fait rire pourtant, par moments, bien que le propos en soit plutôt triste et sombre, grâce au rythme du texte et à la mise en scène d'Olivier Périat, qui souligne toute la force comique des travers humains qui y sont grossis à la loupe. 

Le titre, comme l'affiche, évoque une résidence sur l'eau avec bateaux amarrés par des cordages à des pontons. Eh bien, la Marina serait peut-être bien plutôt une personne et non pas un piège à toutous. Peut-être. Parce que, si personne il y a, elle n'apparaît jamais, comme l'Arlésienne, mais on parle toujours d'elle.

On? Ce sont les quatre membres d'une famille composée de maman (Carine Barbey), de papa (Pierre Spuhler), de soeurette (Anne-Frédérique Rochat) et de frérot (Joël Maillard). L'harmonie semble y régner jusqu'à ce que, par une nuit d'orage, survienne une panne d'électricité, plongeant la maison dans le noir...

Dans le noir, papa et maman transportent une personne trempée dans leur chambre à coucher. C'est la Marina, dont tous les membres de la famille, hormis soeurette, vont chercher à s'attirer les bonnes grâces. Car la Marina a un don et c'est quelqu'un: elle est passée à la télévision... C'est dire l'importance qu'elle a.

En fait l'intrusion de la Marina dans la famille va en détruire l'harmonie de façade et servir de révélateur: papa voudrait séduire l'intruse, maman voudrait s'en occuper parce que c'est une célébrité, frérot voudrait faire la connaissance d'une femme, au sens biblique, parce qu'il a passé l'âge de faire joujou avec soeurette...

Chacun poursuit donc un but différent. Les conventions finissent alors par éclater, comme un vernis, ce qui se traduit par des éclats de voix. Seule soeurette aimerait bien que tout redevienne comme avant et que la Marina ne soit jamais venue chez eux. Mais elle est bien la seule à le penser et à en tirer cette conclusion:

Quitte à être seule, autant ne pas faire semblant.

La famille se disloque. Les non-dits, jusque-là gardés par devers soi, se disent. Les tempêtes succèdent aux accalmies, qui de toute façon ne sont que de courte durée. La Marina ranime les libidos, favorise la séparation de ceux qui étaient unis. Finalement ne reste que des figurines, minuscules, ridicules... et de l'écume.

Et le public comprend mieux dès lors l'accoutrement des personnages: tous sont chaussés de bottes pour patauger, vêtus de caleçons parce que ce qui se passe en-dessous de la ceinture prend le dessus et de sages chemises sous pulls, à l'exception de maman dont la poitrine est libre dans l'échancrure de son corsage...

Francis Richard

Prochaines représentations:

Du 25 janvier 2016 au 5 février 2016

Les mardis et vendredi à 20h30

Les mercredis, jeudis et samedis à 19h

Les dimanches à 18h

Adresse:

Théâtre 2.21

Rue de l'Industrie 10

1005 Lausanne

Réservation:

Tél.: 021 311 65 40

https://www.theatre221.ch/

Ce soir, a lieu la sixième représentation de Femmes amoureuses, une suite de monologues, écrits par Mélanie Chappuis, mis en scène par José Lillo, où des jeunes femmes, saisies par l'amour, passent par tous les états de leur âme et de leur corps...

Ces monologues sont au nombre d'une trentaine. Ils sont interprétés par cinq comédiennes. Dans l'ordre de leur apparition: Patricia Mollet-Mercier, Céline Bolomey, Alexandra Tiedemann, Rachel Gordy et Caroline Cons.

Ces monologues parlent d'amour, d'aucuns avec passion, d'autres avec sensualité, ou avec dépit, ou encore avec humour. Il s'agit, par exemples:

- de l'amour de celle qui aimerait partir pour mieux revenir, mais qui est en fait celle qui attend

- de l'amour parenthèse de l'amour: j'aime mon enfant, j'aime mon mari, je réponds oui à l'amant

- de l'amour fantasmé de celle qui se fait aussi belle que si elle allait le voir, alors qu'ils n'ont de rendez-vous que dans sa tête

- de l'amour de celle qui est jalouse qu'il regarde une autre et qui prend des résolutions de battante: tu ne me verras plus sans mascara, je ne porterai plus mon pyjama chaud, des nuisettes en soie en veux-tu en voilà, même en hiver

- de l'amour de celle qui se réjouit qu'il soit tombé sur une femme bien: je l'aime elle de savoir le satisfaire aussi bien que moi si j'étais grande, mince, belle, douée

- de l'amour qui glisse: tu étais mon amant, mon homme, mon dieu, aujourd'hui tu es mon mari, mon chéri, mon doudou

- de l'amour qui commence par le désir d'une partie de son corps: peu importe que le propriétaire du cou ait changé au fil des années, c'est toujours ce désir-là, en premier

- de l'amour qui ne rime pas avec toujours: l'amour commence alors que l'on s'achève

- de l'amour de celle qui détend le lien avec son enfant sans le briser, pour revivre l'ivresse de la liberté d'aimer

etc.

Un des sommets du spectacle est peut-être quand les cinq comédiennes entonnent à l'unisson le monologue pour se sortir d'un chagrin d'amour, qui commence ainsi:

D'abord il faut le vouloir.

Ça semble idiot de préciser mais vraiment, quand on aime on préfère souffrir d'aimer que de ne plus aimer...

Entre chaque monologue sont joués des intermèdes musicaux - le son est de Damien Schmocker -, interrompus, comme par magie, d'un geste de la main par la comédienne du monologue qui va suivre, ce qui a pour vertu d'en mettre davantage encore le texte en valeur.

Les spectateurs sont répartis sur un rang dans le sens de la longueur de la salle et sur deux dans celui de la largeur. Ils sont donc quasiment tous au premier rang et ... sur scène, dans la belle tradition du Globe londonien... Et les comédiennes sont assises au milieu d'eux...

Dans ces monologues féminins et féministes, il est question, entre autres, de désirs qui s'exacerbent, d'illusions qui s'entretiennent, de temps qui dénoue les liens, de jalousie qui déchire les couples, de tendresse qui se substitue un court moment au désir lors de la mise à nu des corps...

Pour conclure, citons l'auteur, dans l'un de ses monologues savoureux, dits avec toute leur chair et tout leur esprit par cinq belles jeunes femmes animées par l'amour (qui occupe tant de place dans l'existence humaine...): après tout, seul compte le mouvement, force de vie, force de mort...

Francis Richard

Prochaines représentations:

Du 17 au 29 janvier

Mardi et vendredi à 20h30

Mercredi, jeudi, samedi et dimanche à 19h

Lieu:

Théâtre Alchimic

Avenue Industrielle 10

1227 Carouge

Réservation:

Tél.: 022 301 68 38

https://www.alchimic.ch/

Cet après-midi a lieu la première d'Akiko, une création ThéâtrePro Valais au P'tit Théâtre de la Vièze, à Monthey. C'est un spectacle pour enfants, dès 4 ans, coproduit par la Cie Les Planches et les Nuages, dirigée par Sandrine Brunner, et par La Bavette, inspiré de trois albums jeunesse écrits et illustrés par la japonaise Komako Sakaï.

Le public est effectivement composé d'une multitude de petits bouts de chou réjouis, mais aussi de grands enfants un tantinet plus âgés, qui éprouvent un grand plaisir à retomber en petite enfance... La salle est pleine, en ce jour d'avant-rentrée de vacances de Noël et de retrouvailles valaisannes (tout le monde se connaît).

Qu'ils se rassurent: ceux qui auront raté le spectacle d'aujourd'hui auront deux séances de rattrapage la semaine prochaine, histoire de rester encore un peu en vacances ou en cour de récréation théâtrale: parents et grands-parents ne pourront que s'émouvoir alors de la belle réactivité de leur progéniture captivée par Akiko.

Akiko (Laurence Morisot) est une petite fille, qui, comme toutes les petites filles du monde, vit dans un univers merveilleux, peuplé d'animaux - un papillon, un aigle, un hérisson, une poule, un cochon, un renard ou le chat Chiro - et d'objets inanimés qui ont une âme - un pinceau, des bouteilles, une lampe de chevet ou le ballon Chou-Fleur.

Comme toutes les petites filles du monde, Akiko doit obéir à son papa (Damien Richard), qui lui demande de manger ses épinards et qui, à défaut, l'envoie se coucher privée de dessert, mais comblée de bisous. Comme toutes les petites filles du monde, Akiko est confrontée aux joies et aux peines de son âge, qu'exprime avec justesse la comédienne...

Car Laurence Morisot incarne une Akiko authentique, avec sa voix de petite fille au ton juste, ses socquettes blanches, ses souliers vernis noirs, sa robe rouge à la jupe bouffante, sa grenouillère pour faire dodo. Les enfants, petits et grands, ne peuvent que s'identifier à elle tant elle ressemble à ce qu'ils sont encore, ou ont été, jadis ou naguère.

Damien Richard est la voix des bruits que font les animaux, la voix des objets inanimés qui dialoguent avec Akiko, et il est un papa aimant sa petite fille, comme tous les papas du monde. Il est aussi celui qui joue brillamment de plusieurs instruments, agrémentant musicalement un spectacle bien monté, qui ne peut que ravir le public.

Il ne faut donc pas oublier de dire que la mise en scène est de Coline Ladetto, la scénographie d'Adrien Moretti, la lumière de Nicolas Mayoraz, les costumes de Nicole Mottet. Un tel spectacle n'est-il pas un travail d'équipe? Et les jeunes spectateurs ont leur exigence, qu'ils manifestent avec beaucoup de spontanéité...

Francis Richard

Prochaines représentations:

Mercredi 11 janvier à 15:00

Samedi 14 janvier à 11:00

Adresse:

P'tit Théâtre de la Vièze

Quai de la Vièze

1870 Monthey

Réservation:

http://www.labavette.ch/programme/spectacles/akiko.html

Ce soir, j'assiste à Une femme à Berlin. Hier soir, je n'ai pas pu avoir de place pour la première. C'était complet. Ce n'est pourtant pas un spectacle réjouissant, mais plutôt un spectacle édifiant, basé sur un  document fort, un journal écrit à Berlin par une jeune femme, du 20 avril au 22 juin 1945.

On sait que la bataille de Berlin a opposé l'Armée Rouge aux dernières forces du Troisième Reich du 16 avril 1945 au 2 mai 1945. Le journal commence donc alors que cette bataille a commencé. Et il relate tout ce qui arrive à cette jeune femme de 36 ans, pendant et après qu'elle s'est déroulée.

Le décor est celui d'une cave désordonnée et poussiéreuse. La poussière provient de gravats dus aux bombardements. Un jeune homme (Marco Calamendrei), habillé en complet veston, cravate et gabardine, pénètre dans cette pièce. Il cherche ledit journal et finit par le trouver sous un fauteuil. Il commence à le lire à haute voix.

La jeune femme (Véronique Montel) survient. En fait ils ne se voient pas, parce qu'elle vit dans le temps où elle tient son journal et que lui vit dans le temps où il le lit et qui lui est postérieur. Le choix d'un récit à deux voix permet de le découper en un récit général et en un récit plus intime, dit par la jeune femme.

On sait que les troupes soviétiques se sont emparées des femmes de Berlin et qu'elles ne se sont pas gênées pour les violer et que d'aucunes de ces femmes ont accepté de livrer leurs corps pour ne pas mourir de faim... La jeune diariste n'a pas échappé à ces atteintes criminelles à son corps et à son esprit.

L'homme lit donc. La femme écrit tout en racontant, ou raconte. Quand elle raconte les sévices corporels qu'elle a subis, elle tourne le dos au public, qui ne peut qu'être sensible à cette posture pudique. Sinon, elle entre dans les détails de la vie quotidienne d'alors où il fallait faire preuve de débrouillardise pour survivre.

Il semble que ce soit la tenue de ce journal qui ait permis à cette jeune femme de tenir pendant ces deux longs mois de son existence et après. Ce journal lui a permis de prendre de la distance avec elle-même. Dédié à l'homme qu'elle aime, Gerd, dont elle n'est pas sûre qu'elle le reverra, c'est en quelque sorte son testament.

Eine Frau in Berlin est un document avant d'être une pièce. De le savoir ne peut pas laisser indifférent le spectateur. La réalité dépasse en effet la fiction et que la soldatesque allemande ne se soit pas mieux comportée que la russe ne change rien au caractère ignoble et criminel de tels comportements.

Quoi qu'il en soit, le spectateur sort bouleversé d'un tel spectacle. Le jeu des deux comédiens, la mise en scène réaliste de Séverine Bujard, le décor de Célia Zanghi, l'illustration sonore de Jérôme Baur, contribuent à lui donner l'impression de revivre ce cauchemar et, s'il ne doit retenir qu'une phrase, c'est celle-ci:

La somme des larmes reste constante.

Francis Richard

NB

L'identité de l'auteur de ce journal, Marta Hillers, n'a été révélée qu'il y a dix ans, soit cinq ans après sa mort. 

Prochaines représentations: du 29 novembre 2016 au 7 décembre 2016

Le mardi, le jeudi et le samedi à 19 heures

Le mercredi et le vendredi à 20 heures

Le dimanche à 18 heures

Lieu:

Pulloff Théatres

Rue de l'Industrie, 10

1005 Lausanne

Réservations:

http://www.pulloff.ch/reservations/

Tél.: 021 311 44 22

Ce soir a lieu la première de Les Morb(y)des, de l'auteur canadien Sébastien David, mise en scène par Manon Krüttli. C'est la deuxième pièce du Sloop3 du théâtre genevois de la vieille ville.

Un  sloop? C'est, en langage marin, une sorte de voilier.

En l'occurrence il s'agit ici d'une embarcation légère, où l'équipage est composé de:

- trois metteurs en scène

- cinq comédiens,

- une assistante

- une équipe artistique.

Ces membres d'équipage montent ensemble quatre pièces (avec un maximum de deux semaines de répétition pour chacune), destinées à être présentées dans le même lieu et dans le même temps, devant le même public.

Les Morb(y)des a pour thème l'obésité morbide.

Dans le bon vieux Larousse, morbide est un adjectif qui a deux acceptions:

. Qui relève de la maladie, la caractérise ou en résulte.

. Qui a un caractère malsain, anormal.

(y) signifie en langage numérique un poing avec le pouce levé. C'est un symbole d'espoir et de puissance.

Le titre de la pièce, qui pourrait être celui d'une tragédie grecque, est donc déjà lourd de significations.

Le rideau se lève - si l'on peut dire, puisqu'il n'y a pas de rideau au Poche/GVE - sur un appartement en demi-sous-sol. Deux femmes obèses se disputent. Ce sont deux soeurs.

L'une des deux soeurs a pour nom, Stéphany (Charlotte Dumartheray), avec un y, c'est du moins ainsi qu'elle l'écrit depuis qu'elle fréquente le monde virtuel, et son ami virtuel Kevyn (François Revaclier), avec un y également.

L'autre des deux soeurs n'a pas de nom. Enfin elle ne s'en souvient pas elle-même. Et Stéphany ne l'appelle pas autrement que Sa Soeur (Rébecca Balestra), sauf à la fin où son nom lui revient à l'esprit.

C'est au fil de leurs disputes que le spectateur comprend que les deux soeurs sont obèses: si Sa Soeur est faite de rondeurs - ses formes sont amplifiées par des ballons -, Stéphany arbore à ses yeux un corps svelte et sportif.

En fait le corps de Sa Soeur est celui qu'on voit - elle ne se prive de rien - et le corps de Stéphany est celui dont celle-ci rêve, parce qu'elle aimerait que les autres la regardent. Pour cela elle fait du vélo d'appartement: elle ne va nulle part, mais elle y va, sans perdre de poids...

Les deux soeurs diffèrent aussi par le langage. Sa Soeur ne se prive pas d'employer des jurons québecois et d'avoir un franc parler populaire. Stéphany se livre à des incantations pleines de noirceur: elle est tour à tour l'univers, la nuit ou les égouts de Montréal.

Sa Soeur est recluse. Elle n'est pas sortie de leur demi-sous-sol depuis 13 ans. Sa seule ouverture sur l'extérieur, ce sont les émissions de télévision qu'elle regarde affalée sur son sofa: elle est entourée de ballons blancs, au milieu desquels elle s'enfonce.

Stéphany sort un peu, la nuit, bien que ce ne soit pas prudent - une cinquième victime d'un tueur en série a été découverte tout près de là où elle se promenait. Sinon, sa fenêtre à elle, c'est le site Morb(y)des.com et la musique kitch de Moby, avec un y...

Si Sa Soeur s'enfonce, elle, Stéphany, désire s'envoler.

Toutes deux se plaignent des odeurs, qui puent. A l'intérieur, celle de Brise du fleuve, qui sent l'indien; à l'extérieur celle qui provient de Lallemand, une usine de production de levures pour toutes sortes d'usage.

Kevyn, qui se trouvait pendant tout le début du spectacle côté jardin de la scène, fait son apparition, réelle. Il semble être habillé comme un scout. C'est en tout cas ainsi qu'il apparaît aux deux soeurs. Il va servir de catalyseur.

A un moment donné Kevyn demande à Stéphany ce qu'elle voudrait que l'on se souvienne d'elle si elle mourait:

Une fille disparue, c'est comme ça que j'aimerais qu'on se souvienne de moi.

Car il y a en Stéphany, comme en Sa Soeur, à la fois une pulsion de vie et une pulsion de mort. Stéphany dit aussi, à propos du tueur qui rôde que, s'il est capable de la tuer, il doit être tout aussi capable de lui faire l'amour, la petite mort mise sur le même plan que la grande, en somme.

S'il y a des moments où l'on rit - certains propos et certaines actions sont franchement burlesques -, plus sérieusement, la pièce interroge le spectateur sur les dualités dans lesquelles se débattent les protagonistes: le physique et le psychique, le réel et la fiction, la réalité et la virtualité.

Les Morb(y)des, pièce exigeante, a suscité ce soir un réel enthousiasme.

Francis Richard

Prochaines représentations:

• ma 22.11 _20h00
• je 24.11 _19h00
• sa 26.11 _19h00
• di 27.11 _19h00
• ma 29.11 _20h00
• me 30.11 _19h00
• me 07.12 _19h00
• di 11.12 _17h00
• me 14.12 _19h00
• sa 17.12 _19h00
• di 18.12 _17h00
• je 22.12 _19h00
• sa 31.12 _19h00
• di 22.01 _19h00
• di 29.01 _19h00

Lieu:

POCHE/GVE

Rue du Cheval-Blanc 7, 1204 Genève

Tél.: 022 310 37 59

http://poche---gve.ch/info-billetterie_/

Ce soir avait lieu la quatrième représentation au Théâtre Les Halles, à Sierre, de La suppliante, une pièce de Bastien Fournier, inspirée très librement des Suppliantes d'Eschyle, puisqu'elle combine le thème éternel de l'hospitalité à celui contemporain de l'asile.

Dans la pièce d'Eschyle, les cinquante filles de Danaos s'enfuient avec leur père pour ne pas épouser les cinquante fils d'Egyptos. Elles abordent au pays d'Argos et demandent l'hospitalité à son roi, Pélasge.

Dans la pièce de Bastien Fournier, une femme étrangère (Pauline Epiney), veuve avec enfant, se retrouve dans la cour d'un immeuble. Elle demande l'hospitalité à des habitantes de cet immeuble, une mère (Sylvie Tamiz) et sa fille sans enfant (Carole Epiney).

L'étrangère rencontre d'abord la fille. Mais celle-ci s'apprête à sortir et n'est pas disposée à lui venir en aide: elle a un bus puis un train à prendre. L'étrangère s'interroge: Est-il juste que certaines soient logées et pas d'autres?

L'étrangère rencontre ensuite la mère. Mais celle-ci lui réserve un tout autre accueil: après l'avoir interrogée et s'être assurée qu'elle n'a pas de solution, elle l'invite à entrer chez elle et à s'installer dans sa propre chambre, tandis qu'elle dormira sur le canapé.

Quand la fille rentre de sa sortie, empestant l'alcool et la transpiration, la mère lui apprend qu'elle a hébergé l'étrangère et son enfant. Le lendemain, la fille admoneste l'étrangère, l'accusant d'avoir abusé de la confiance de sa mère.

Quand la mère survient, elle considère les deux jeunes femmes comme ses filles et les voit donc toutes deux comme si elles étaient soeurs. Mais sa fille naturelle ne l'entend pas ainsi et se dispute avec sa mère, qui lui dit:

Quand tu es née, le premier jour, quand tu es sortie de moi pour entrer dans ma vie, n'étais-tu pas une étrangère, toi aussi? Pourtant je t'ai nourrie, j'ai passé des nuits sans dormir et des soucis m'ont dévorée. Ce que j'ai fait pour toi, pourquoi refuses-tu que je le fasse pour une autre?

La fille n'en persiste pas moins à demander à sa mère qu'elle chasse l'étrangère, sinon elle le fera elle-même et, si elle n'y parvient pas elle-même, elle aura recours à la puissance de la loi. Tous les éléments sont réunis pour que la tragédie advienne.

Dans la pièce d'Eschyle, l'action est soulignée par le choeur. Dans celle de Bastien Fournier, une musique, composée et interprétée par Thierry Debons, fait monter la tension dramatique avant que de la faire baisser une fois qu'une fin évidente se dessine.

Comme dans nombre de mises en scène d'aujourd'hui, celle de Marine Billon comporte des jeux de lumière et d'images, élaborés par Elie Romero, qui contribuent à faire ressortir le texte, dont la force d'émotion est paradoxalement d'autant plus intense qu'il est d'une grande sobriété.

La mise en scène, de même que le jeu des trois actrices, est fidèle au texte qui, en l'absence de noms donnés aux trois femmes, pourrait en faire de purs archétypes, mais qui, en réalité, révèle leur complexité, au point qu'il est possible de s'identifier à l'une ou à l'autre à un moment donné ou à un autre.

La pièce soulève des problèmes de fond, qui se posent aux êtres humains. Ainsi, au-delà de l'émotion suscitée - certaines des spectatrices et certains des spectateurs avaient finalement la larme à l'oeil -, invite-t-elle à la réflexion, notamment sur les distinctions qu'il faudrait faire entre les notions de droit et de loi...

Francis Richard

Prochaines représentations:

- Au Théâtre Les Halles, à Sierre:

Les 21, 22 et 23 avril à 19:30

Le 24 avril à 18:00

- A l'Oriental, à Vevey:

Les 27, 28 et 29 avril à 20:00

Le 30 avril à 19:00

Le 1er mai à 17:30

Adresses et réservations:

http://theatreleshalles.ch/

http://www.orientalvevey.ch/

Ce livre est le 24^e volume de la collection Théâtre en tête des éditions Lansman. Il comprend quatre pièces de Bastien Fournier:

- La suppliante en deux versions, une version originale qui n'a pas été montée à ce jour et une version pour trois comédiennes qui va être créée le 14 de ce mois au Théâtre Les Halles, à Sierre, par la Compagnie du Homard

- Phaidra qui a été créée le 19 janvier 2012, aux Caves de Courten, à Sierre, par le Théâtre du Brandon

- Les Africaines qui n'a pas été montée à ce jour

- Une femme sur un balcon qui a été créée le 13 septembre 2012 au Théâtre Les Halles, à Sierre, par la compagnie Le Crochet à nuages

La suppliante, dans ses deux versions, met aux prises trois femmes: une mère et sa fille, et une autre femme, la suppliante, une clandestine, une étrangère, qui demande aux deux premières d'être hébergée, avec son enfant. La fille, qui n'a pas eu d'enfant, ne veut pas en entendre parler. La mère au contraire fait parler son coeur, à la grande fureur de sa fille qui invoque la loi et menace. Ce sont les prémices d'une tragédie...

Lors de leur dispute, la mère s'adresse à sa fille en ces termes:

Quand tu es née, le premier jour, quand tu es sortie de moi, n'étais-tu pas une étrangère toi aussi? Pourtant je t'ai nourrie, j'ai passé des nuits sans dormir et des soucis m'ont dévorée. Ce que j'ai fait pour toi, pourquoi refuses-tu que je le fasse pour une autre?

Phaidra reprend le thème de Phèdre, qui, son époux Thésée disparu, tombe amoureuse de son beau-fils Hippolyte. Dans la pièce de Racine, Hippolyte ne succombe pas aux charmes de Phèdre et Thésée, en fait, n'est pas mort. Dans celle de Bastien Fournier, le père est mort, d'une mort claire-obscure, et le fils partage le lit de sa belle-mère. A mesure que celui-ci devenait homme, du fait de sa grande ressemblance avec son père, il prenait peu à peu sa place quand elle songeait à son géniteur:

Lui: Qu'avons-nous fait?

Cette nuit, tu as dit que tu m'aimais.

Elle: C'est peu dire. Cette nuit je t'adorais.

Lui: Et maintenant?

Elle: Le soir finit toujours par venir.

Le jour finit toujours par s'éteindre.

Les Africaines est un texte inspiré par le Chant IV de l'Enéide de Virgile. Didon et Enée y sont des amants oublieux d'une plus grande gloire. C'est leur grand tort. Mercure, envoyé par Jupiter, rappelle ses devoirs à Enée: il doit se rendre en Italie, dont le royaume est dû à son héritier, Iule. Didon, folle amoureuse d'Enée, n'accepte pas qu'il s'en aille. Chez Fournier le ton est moins emphatique, la Rumeur remplace la Renommée, et il n'est point d'autres dialogues qu'entre Didon et sa soeur, Anna, :

Anna: Il faut un homme dans ton lit.

Didon: L'homme qui dormait dans mon lit -

Anna: ... est mort. Emploieras-tu, seule et versant tes plaintes, toute ta jeunesse à te consumer dans son deuil ? (Un temps) Un autre est venu.

Didon: Un étranger.

Anna: Nous étions étrangères en Afrique.

Didon: Un fugitif. Un fuyard.

Anna: Nous ne l'étions pas moins.

Une femme sur un balcon jette son enfant dans le vide. Elle est touchée par deux balles tirées de loin par des policiers encagoulés. Pourquoi a-t-elle fait cela? A-t-elle tué son mari? N'a-t-elle pas dit qu'il était parti et que s'il ne revenait pas, elle jetterait son enfant sur le sol? Au fait, l'a-t-elle jeté avant d'être touchée par les balles ou après? C'est, des années après, ce que se demande et ce que lui demande la policière venue la réinterroger:

Femme 2: Tu as dit d'abord que c'était en même temps.

Femme 1: Tu as insisté: "Avant ou après?" Tu disais: "Avant ou après?"

Femme 2: Tu as dit que c'était avant.

Femme 1: Tu m'as demandé si j'en étais sûre.

Femme 2: Qu'est-ce que tu as répondu?

Femme 1: J'en étais sûre.

Femme 2: Dans mon rapport, j'ai noté que tu n'avais lâché l'enfant qu'après avoir entendu la déflagration.

Femme 1: C'était un mensonge.

Femme 2: Oui.

Dans ces quatre textes, la langue est sobre, sans fioritures. L'auteur va à l'essentiel. Chaque mot semble pesé: rien de ce qui est dit n'apparaît donc inutile. En somme le style est épuré. De plus, aucun de ces quatre textes, aussi bien les deux inspirés par des mythes de l'Antiquité que les deux inspirés par des drames contemporains, n'est vraiment daté si l'on excepte quelques détails qui ne relèvent que du décor.

Si ces quatre textes sont bien situés dans le temps, ils sont donc cependant intemporels. Ce qui donne sa cohérence au volume qui les rassemble et leur universalité aux mondes qu'ils recréent. Le parti pris de ne pas donner de noms propres aux personnages, sauf aux Africaines Didon et Anna, rendues déjà symboliques par Virgile, exprime la volonté délibérée d'en faire des archétypes tout en nuances. Ne devrait-ce pas être l'ambition théâtrale?   

Francis Richard

La suppliante et autres textes, Bastien Fournier, 98 pages, Lansman Editeur

Livre précédent:

L'assassinat de Rudolf Schumacher, L'Aire (2014)