L'affiche de la pièce, de même que le titre, sont explicites. Ce ventre rebondi d'une femme enceinte et Maybe - Une vie laissent présager que la Naissance avec un grand N en est le sujet. Ce sujet est venu à Sarah Marcuse après qu'elle a accouché il y a peu pour la seconde fois...

Cette comédie, mise en scène par l'auteur, commence par une citation, dite par le seul comédien de la distribution (Thomas Di Genova, qui joue les rôles de Ralph et d'un médecin). Cette citation est tirée de Comme il vous plaira de Shakespeare:

Le monde entier est un théâtre, et tous les hommes et les femmes sont seulement des acteurs. Ils ont leurs entrées et leurs sorties. Et un homme dans sa vie joue plusieurs rôles...

Ralph dit ça, mais il ignore quel est son rôle dans la vie. Pour lui, la vie n'a pas de sens. C'est pourquoi il veut se flinguer. Au préalable, il téléphone à sa mère, Anna (Anne-Schlomit Deonna). Il est libre de se flinguer, lui répond-elle, mais elle est contre...

Comment se fait-il que Ralph veuille régulièrement mettre fin à ses jours? Anna n'aurait-t-elle pas raté sa naissance par hasard? A la réflexion, elle dit que oui. Le spectateur saura pourquoi plus tard, après bien des développements.

Lors d'une tentative de suicide, Ralph fait la rencontre de Tiffany, (Fanny Pelichet, qui joue aussi le rôle d'une infirmière) qui, comme lui, s'apprêtait à se jeter du pont Butin. Or, au lieu de sauter, ils tombent dans les bras l'un de l'autre.

Leur étreinte n'est pas sans fruit. Tiffany découvre un jour qu'elle est enceinte. Elle pousse un cri. Elle a une vie finalement bien remplie et elle fait l'inventaire de tout ce à quoi elle va devoir renoncer. Mais peut-être est-elle tout de même "faite pour toucher du mou"...

Tiffany doit annoncer la chose à Ralph. Elle craint qu'il ne tressaille. De fait sa réaction n'est pas une joie sans mélange. Il va être père - ne faut-il pas qu'il s'en réjouisse? - mais il sera "un père sans repères" - ce qui n'est guère enthousiasmant.

Anna a accouché de Ralph dans la même clinique que deux autres femmes, qui avaient comme elle plus de 40 (Céline Goormaghtigh et Maud Faucherre), l'une optimiste (elle est toujours satisfaite), l'autre pas du tout (le monde actuel est horrible).

Ensemble elles ont connu les affres des examens pré-nataux (ce qui donne lieu à des scènes assez potaches) et des diagnostics médicaux (ce qui pose la question des possibles difformités), et combattu la culpabilité qu'engendre l'état de grossesse.

A partir de ces éléments Sarah Marcuse traite de la Naissance avant, pendant et après. Elle le fait avec les ingrédients qui lui sont chers: la philosophie - on naît un jour avec la perspective de mourir un autre -, l'humour - on rit souvent, sans retenue -, la chorégraphie - on assiste même à un kata...

Bref, dans Maybe, la naissance n'est pas un sujet traité banalement. Cet événement violent et risqué se produit dans la peur et dans la douleur: "Le coeur se fend en deux". Dans le même temps, la venue au monde d'un petit être, d'un petit peut-être, autrement dit d'un petit maybe, ne peut-elle pas s'avérer un heureux événement?

A défaut de se trouver un rôle, lorsque l'enfant paraît, l'homme ne peut-il pas au moins s'apercevoir qu'il a sa place aux côtés de celle qui donne vie à leur petit maybe? 

Francis Richard

Adresse:

Théâtre du Loup, Chemin de la Gravière 10, 1227 Les Acacias - Genève

Représentations:

Du 4 au 20 mars 2016:

Mardi, jeudi, samedi à 19h

Mercredi, vendredi à 20h

Dimanche 17h

Lundi relâche

Réservations:

+41 22 301 31 00

ou http://billetterie@theatreduloup.ch

La pièce d'Albert Camus, Caligula, est une illustration du pouvoir totalitaire que peut exercer un homme sur les autres. Mais le pouvoir totalitaire, on le sait, n'est pas seulement, loin de là, pouvoir personnel, il est souvent pouvoir collectif.

Caligula a disparu pendant trois jours après la mort de Drusilla, sa soeur et maîtresse. Tous le cherchent et croient qu'il a fait une fugue par chagrin d'amour. A commencer par les patriciens, c'est-à-dire ceux qui ont quelque chose à perdre. Tous se trompent lourdement. Cette mort "est seulement le signe d'une vérité qui [lui] rend la lune nécessaire"...

Autrement dit, Caligula ressent désormais "le besoin d'impossible ", puisque rien ne dure en ce monde, que le monde d'ailleurs est sans importance et que le reconnaître tel quel rendrait libre... En prenant au sérieux son rôle d'empereur, en tout cas, il prend "en charge un royaume où l'impossible est roi."

Caligula adopte dès lors une logique imperturbable, qui n'est pourtant que pur sophisme: "Si le Trésor [public] a de l'importance, alors la vie humaine n'en a pas." Au nom de cette logique tous les détenteurs de fortune doivent tester en faveur de l'Etat. Si leur argent l'intéresse, leur vie ne compte pas.

Aussi, en raison des besoins - et ils sont infinis puisqu'il s'agit de réaliser l'impossible -, Caligula les fera-t-il mourir, tous ces nantis, les uns après les autres, "dans l'ordre d'une liste établie arbitrairement". La réflexion cynique qu'il fait alors prend une tout autre résonance à notre époque d'Etats obèses:

"Il n'est pas plus immoral de voler directement les citoyens que de glisser des taxes indirectes dans le prix de denrées dont ils ne peuvent se passer. Gouverner, c'est voler, tout le monde sait ça. Mais il y a la manière. Pour moi, je volerai franchement."

Cette logique suppose que tous les volés soient coupables (mais ne le sont-ils pas?). Elle justifie tous les meurtres, qui ne sont que des moyens pour parvenir à cette fin, l'impossible. Elle n'est applicable qu'à condition d'avoir atteint l'insensibilité corrélative à cette prétendue liberté dont Caligula se targue.

D'un acte l'autre, le Caligula d'Albert Camus pousse toujours plus loin cette logique. Il connaît évidemment la fin que connaissent la plupart des tyrans, quand, las de subir servitude, humiliations et prédations, quelques têtes se relèvent et finissent par frapper celui qui ne leur a apporté que de l'insécurité.

Jean-Gabriel Chobaz, qui a fait la mise en scène, souligne cette progression dans la violence avec le changement qu'il fait intervenir dans l'habillement des personnages: après quelque temps, les hommes portent des brassards décorés d'un insigne sur leurs costumes; après s'être déguisé en Venus pour être adoré ou avoir mis un tutu pour faire des pas de danse et être admiré, Caligula porte vêtements noirs et bottes de cuir...

Frank Michaux, dans le rôle de Caligula, est plus vrai que nature. C'est bien simple: il fait peur. Il faut dire que, pour son Caligula, Camus a su trouver les mots et lui prêter les ruses qui font de ce personnage lunatique et retors un tyran redoutable et redouté. Et Frank Michaux incarne réellement ce tyran, toujours plus agressif, pendant 1h45...

Il y a donc de quoi frémir, d'autant que Caligula malmène ou violente tous ceux qui lui sont proches, Caesonia (qui est amoureuse de lui jusqu'au bout), Cherea (le littérateur qui lui résiste), Helicon (l'esclave affranchi, qui lui est pourtant fidèle) et Scipion (le poète, qui pourtant le comprend), sans parler des autres personnages qui rampent devant lui...

Francis Richard 

Distribution:

Paola Landolt, Raphaël Bilbeny, Julien Opoix, Frank Michaux, Jean-Marc Hérouin, Stéphane Rentznik, Matthieu Sesseli, Daniel Vouillamoz, Leslie Rudolf et Nicolas Leoni.

Représentations:

Du 1er au 20 mars 2016

Les mercredis et vendredis à 20h

Les mardis, jeudis et samedis à 19h

Les dimanches à 18h

Réservations:

http://www.pulloff.ch/ticketing/clients/subscription

ou

tél. +41 (0) 21 311 44 22

L'ancienne alliance est rompue; l'homme sait enfin qu'il est seul dans l'immensité indifférente de l'Univers d'où il a émergé par hasard. Non plus que son destin, son devoir n'est écrit nulle part. À lui de choisir entre le Royaume et les ténèbres.

C'est ainsi que se terminait Le hasard et la nécessité, le livre de Jacques Monod, grand biologiste devant l'Éternel. Cette conclusion, irréfutable, d'un grand scientifique, ne l'était donc pas. Car il n'y a pas de réponse définitive à cette interrogation que l'homme se pose depuis toujours, qu'il continuera de se poser jusqu'à sa fin individuelle, inéluctable, et dont il connaîtra alors, ou pas, le fin mot.

Le hasard est justement le thème d'Une ombre au tableau, la dernière pièce de Carole Dubuis, qui est montée par la Compagnie En-Visages, au Théâtre de l'Oxymore, à Cully, et que j'ai vue hier soir, dans une salle comble, où la cinquantaine de spectateurs se sentaient proches les uns des autres et des quatre comédiens, sous une voûte noire, en demi-arc de cercle, celle d'un caveau.

Diane (Tiphanie Chappuis) et Jean (Yves Scheuner) sont deux restaurateurs de tableaux. Ils ne se sont pas vus depuis un bon moment. Ils viennent de se rencontrer par hasard dans une petite ville italienne où ils ont travaillé ensemble. Mais est-ce vraiment par hasard? Le destin n'y est-il pas pour quelque chose? Diane en doute, Jean le croit. Est-il seulement possible de les départager?

Diane et Jean effectuaient dans l'église de cette ville, Santa Maria Novella, la restauration d'un tableau de Brunetti. Cette toile représente trois personnages, une femme et deux hommes, et quatre ombres... On ne sait de qui ou de quoi cette dernière ombre au tableau est le nom. Les historiens et les commentateurs disputent encore de l'interprétation qu'il convient de lui donner.

Quand la pièce commence, une femme inquiète et dévote (Catherine Forestieri), toute de noir vêtue, écoute le premier des six messages qui se trouvent sur la messagerie de son téléphone portable. Il est recommandé au spectateur d'y prêter attention, parce que ces six messages de Marco (Ricardo Henriques), son fils disparu, sont comme la ponctuation de la progression de l'intrigue.

Après leur rencontre, Diane et Jean visitent Casa Luce, une maison concurrente. Il ne reste plus que deux éléments pour que cette histoire singulière se mette en place. Diane et Jean, qui auraient pu s'aimer, y découvrent d'abord, sous un linge, le tableau qu'ils restauraient ensemble. Puis, de sous un autre linge, surgit, comme un diable, Marco, le stagiaire qui les assistait à l'époque.

Le trio de naguère est donc reconstitué, de même que sont mis à jour les trois personnages du tableau de Brunetti, qui sont comme leurs reflets, avec leurs ombres portées, auxquelles s'ajoute comme une intruse cette ombre qui provient de nulle part. Pourquoi sont-ils réunis ce jour-là? Peu à peu, leur histoire, pleine d'incertitudes, qui se déroule sans temps morts, le précise, de même que les liens qui les unissent.

Très vite les caractères du trio se dessinent dans leur diversité. Diane est analytique et, tout en étant désirante et désirable, garde les pieds sur terre. Jean est sentimental, mais, aventureux, il a vécu, et sa raison tempère tout de même ses ardeurs. Marco a, au contraire, l'ardeur de la jeunesse et son impétuosité, ce qui lui fait bousculer les lignes. Sa mère, à raison, s'inquiète pour lui et se réfugie dans la prière.

Bien que le thème soit grave, il ne pèse pas sur la pièce, laquelle ouvre des perspectives. Les frontières de l'existence y sont habilement franchies, mine de rien, ce qui permet de pousser très loin les interrogations. Si chacun des personnages, incarnés pleinement par les comédiens, réagit à sa manière, les spectateurs ne peuvent que faire de même. Car cette pièce donne matière à réflexion, sans accabler, grâce à l'élégance du texte.

Francis Richard

Représentations:

Du 24 septembre au 4 octobre 2015:

Les jeudi, vendredi et samedi à 20h30

Le dimanche à 17h00

Réservations:

www.oxymore.ch

ou

tél. +41 (0) 76 410 10 82

La Fête de la Musique 2015 commence à Genève le vendredi 19 juin à 19 heures. C'est à cette heure-là qu'un voyage musical et littéraire dans la Russie du XIXème est entrepris en gare de l'Athénée 4.

Transsibirskaïa tel est le nom de ce voyage organisé. Il évoque bien sûr le fameux Transsibérien, dont la construction est décidée, justement, par le tsar Alexandre III à la fin du XIXème, pour relier Moscou à Vladivostock.

Hier soir, ce n'est toutefois qu'un aperçu de Transsibirskaïa, qui est donné aux spectateurs. Le spectacle dure une heure et demie et l'aperçu cinquante minutes. Ce vaste aperçu est donc tout de même suffisant pour leur donner l'envie de le voir dans son entier. Car c'est un spectacle éblouissant, créé grâce au soutien du Cercle Romand Richard Wagner.

La salle de l'Athénée 4 est d'ailleurs comble, on ne peut plus comble. Les spectateurs se pressent au parterre, à la mezzanine qui surplombe la salle tout autour, sur les marches de l'escalier qui y descend. Il faut croire qu'ils se sont donné le mot et que la Russie n'a pas fini de fasciner, qu'il s'agisse de sa musique ou de sa littérature.

Le comédien Vincent Aubert a mis en scène ce spectacle et il y fait le lien avec humour et maestria entre les parties musicales et les lectures, qu'il fait dans des livres reliés, que l'usure du temps ne semble pas avoir épargnés.

Tous les patronymes russes, c'est bien connu, finissent en ov ou en ski. Sauf que le premier texte lu est de Pouchkine... Il s'agit de son autoportrait, écrit en vers et en français, où il se moque de lui-même avec esprit. Comme, par exemple, dans ces deux quatrains:

Ma taille à celle des plus longs
Las ! n'est point égalée ;
J'ai le teint frais, les cheveux blonds
Et la tête bouclée.

J'aime et le monde et son fracas,
Je hais la solitude ;
J'abhorre et noises et débats
Et tant soit peu l'étude.

Vincent Aubert presse un bouton sur le piano à queue (il le fera à plusieurs reprises pendant l'aperçu). Un jet de vapeur surgit. La locomotive s'élance, accompagnée du Chant de voyage, mélodie de Glinka, dont les notes sont jouées au piano par Ludmilla Gautheron et les paroles chantées par Sacha Michon, baryton. Cette mise en train est puissante et entraînante... comme peut l'être l'âme russe quand elle s'en donne à coeur joie.

Larissa Rosanoff incarne la Fille de neige, de Rimski-Korsakov. Snégourotchka est fille du Bonhomme Hiver et de la Fée Printemps. Ce soir, elle est tout de fourrure blanche vêtue, comme la neige dont elle est faite et qui lui donne son joli teint pâle. La voix de la soprano, pourtant ferme, transmet toute l'humaine et charmante fragilité de cette belle personne, délaissée et inconsolable, qui fondra en dansant au-dessus d'un feu de joie...

Le Chant de Méphistophélès, de Moussorgski, interprété par Sacha Michon, est celui d'une puce que le chanteur et le comédien se renvoient au gré de notes endiablées, comme il se doit. Cet échange sautillant et drôle ne peut évidemment que mal finir et la musique de Moussorgski est bien en accord avec la progression de la mélodie vers une fin inéluctable.

L'extrait de Gogol met en scène une précieuse ridicule, venue rendre visite à un peintre, qui doit faire Le portrait de sa fille. Ce passage est lu, sur le ton maniéré et sucré qui convient, par Vincent Aubert, quand il personnifie la dame:

« Vous êtes bien M. Tchartkov ? » s’enquit la dame.

Le peintre s’inclina.

« On parle beaucoup de vous ; on prétend que vos portraits sont le comble de la perfection. »

Sans attendre de réponse, la dame, levant son face-à-main, s’en fut d’un pas léger examiner les murs ; mais comme elle les trouva vides :

« Où donc sont vos portraits ? demanda-t-elle.

– On les a emportés, dit le peintre quelque peu confus. … Je viens d’emménager ici…, ils sont encore en route.

– Vous êtes allé en Italie ? demanda encore la dame en braquant vers lui son face-à-main, faute d’autre objet à lorgner.

– Non…, pas encore… J’en avais bien l’intention… mais j’ai remis mon voyage… Mais voici des fauteuils ; vous devez être fatiguées ?

– Merci, je suis longtemps restée assise en voiture… Ah, ah, je vois enfin de vos œuvres ! » s’écria la dame, dirigeant cette fois son face-à-main vers la paroi au pied de laquelle Tchartkov avait déposé ses études, ses portraits, ses essais de perspective.

Elle y courut aussitôt.

« C’est charmant. Lise, Lise, venez ici. Un intérieur à la manière de Téniers. Tu vois ? Du désordre, du désordre partout ; une table et un buste dessus, une main, une palette… et jusqu’à de la poussière… Tu vois, tu vois la poussière ? C’est charmant… Tiens, une femme qui se lave le visage ! Quelle jolie figure !… Ah, un moujik !… Lise, Lise, regarde : un petit moujik en blouse russe !… Je croyais que vous ne peigniez que des portraits ?

– Oh, tout cela n’est que bagatelles… Histoire de m’amuser… De simples études !

– Dites, que pensez-vous des portraitistes contemporains ? N’est-ce pas qu’aucun d’eux n’approche du Titien ? On ne trouve plus cette puissance de coloris, cette… Quel dommage que je ne puisse vous exprimer ma pensée en russe ! » 

L'air de Ludmilla, de Glinka, n'est pas d'une grande gaieté. Comme le souligne Vincent Aubert, ce ne sont pas les gens heureux qui génèrent les opéras... Cette fois, Glinka joue sur un registre bien différent de celui où il célébrait la locomotive du début.

Dans cet air, tiré de l'opéra Ruslan et Ludmilla, transparaît toujours cette âme russe que Glinka n'a de cesse de vouloir mettre en musique, tout en la tempérant d'influences occidentales... Ludmilla, séparée de Russlan, qui lui a été ravi le jour de ses noces, c'est Larissa... qui lui prête sa voix pour exprimer les accents de son malheur et de sa solitude.

Le premier duo de l'aperçu d'hier soir est celui de la princesse Jaroslavna et du Prince Igor, tiré de l'opéra éponyme de Borodine. La princesse se plaint des absences du prince, qui, quand il est présent, ne l'est jamais très longtemps... Et, des voix de Larissa et de Sacha, naît bien palpable, au sein de ce couple princier, l'incompréhension mutuelle, propre à leurs destins contraires.

Dans l'extrait de La cerisaie, de Tchekhov, l'intelligentsia est bien malmenée, par la bouche de Trofimov, qui commence ainsi sa tirade:

L’humanité progresse, perfectionne ses forces. Tout ce qui, aujourd’hui, nous dépasse, sera un jour intelligible, familier. Mais il faut, pour en arriver là, aider de toutes nos forces ceux qui cherchent. En Russie, il y a encore bien peu de gens qui travaillent. La majeure partie des gens de ces classes cultivées que je connais ne cherche rien, ne fait rien, et n’est pas encore apte au travail. Elles se disent classes cultivées, et on y tutoie les domestiques. On s’y comporte avec les paysans comme avec des animaux. On n’y apprend rien ; on ne lit rien sérieusement ; on ne fait absolument rien. Des sciences, on se contente de parler, et on n’entend rien à l’art.

S'inpirant de poèmes d'Arseni Golenistchev-Koutouzov, la musique de Moussorgski peut être épique et terrible. Avec Le chef d'armée, c'est la Mort qui mène les troupes ... La voix de Sacha accentue ce sort funeste, qui leur est promis, en donnant aux notes martelées sur les cordes du piano une amplitude sépulchrale.

Vincent Aubert ne voudrait pas que le spectacle finisse dans le sinistre. Aussi le duo du Cosaque au-delà du Danube, signé Goulak-Artemovski, termine-t-il l'aperçu par une scène de ménage assez farce. Sacha, en cosaque débraillé, aviné, titubant, et chantant, est irrésistible. Odarka, alias Larissa, en femme qui ne décolère pas contre son homme, l'est tout autant. Elle se sert de son torchon comme d'autres le feraient de leur rouleau à pâtisserie... Elle n'épargne même pas la pianiste au passage, ni le comédien... Qui aime bien, châtie bien...

Il faut pendant le spectacle regarder les mains de Ludmilla Gautheron qui courent sur le clavier. Elles semblent avoir leur vie propre, animées du même rythme que la musique qu'elles font naître. Elles peuvent se faire puissantes, légères, sautillantes, graves, réfléchies, drôles. Elles sont elles aussi empreintes de cette âme russe indéfinissable, indicible, et qui pourtant existe.

Voilà donc un spectacle ébouriffant, tout prêt à être joué ici ou là. Encore faut-il qu'il soit connu. Puissent donc ces quelques lignes donner envie de le programmer. Et puis, égoïstement, j'aimerais bien maintenant entendre les extraits de mes chers Dostoïevski et Tolstoï et faire connaissance avec Dargomijski...

Dans le train du retour à Lausanne, une jeune femme est assise en face de moi. Elle lit un texte protégé par une fourre en plastique transparent. Sans le vouloir, d'instinct, je lis le titre du texte en haut d'une des pages levée de mon côté: c'est un clin d'oeil du destin, qui tient absolument à mêler musique et littérature, puisque c'est Mozart que je lis, une comédie musicale signée Sacha Guitry...

Francis Richard

Sites des chanteurs:

http://www.larissa.rosanoff.net/fr/

http://www.sachamichon.com/

Présentation vidéo du spectacle sur YouTube:

Un incident technique m'a malencontreusement empêché la semaine dernière d'assister à la première de Peepshow dans les Alpes, de Markus Köbeli, au Théâtre du Château, à La Tour-de-Peilz. Comme je n'ai malheureusement pas tant de disponibilités, il m'a fallu attendre jusqu'à hier soir pour assister à une représentation de cette comédie tragique.

En effet si on rit beaucoup tout au long de cette pièce comique, mise en scène par Steve Riccard, assisté de Jean-Philippe Weiss, le fond de l'histoire est finalement assez sinistre. Mais, de toute façon, ne retrouve-t-on pas ce mélange de côtés drôlatiques et sombres dans la vraie vie?

Dans la famille Holzer, il y a le père, Hans (Gilles Thibault), la mère, Martha (Ingrid Sartoretti), la fille, Anna (Carole Epiney), le fils, Hans junior (Olivier Lambelet), et le grand-père, Hans senior (Jean-Philippe Weiss), de quatre-vingt-dix ans, suivant la traduction de l'allemand en français de Jean Lonay...

La famille Holzer est une famille de paysans, qui vit dans un village de la Suisse profonde, Kleinseelen, où le temps semble s'être arrêté. Le grand-père en a été jadis président du conseil municipal, parce que c'était lui qui avait le plus de vaches dans son étable...

Le grand-père est muet, assis dans un fauteuil roulant. Il a eu son heure de gloire locale: champion du Concours annuel de tir à l'arc. Sa coupe est, depuis, perchée tout en haut du buffet de la salle de repas de la ferme, qui sert de décor à la pièce (les décors et la régie sont de Noël Baye). Hans senior y est maintenant devenu une sorte de meuble, au coeur battant grâce à "un pacemaker flambant neuf", qu'on déplace quand nécessaire et qui menace de s'affaisser régulièrement.

Hans, le père, est le seigneur et maître de la ferme. Il fume des cigarillos. Il regarde la télé. Il ne se pose pas de questions existentielles: "Il faut prendre les choses comme elles viennent. Parce que ça vient comme ça vient. C'est tout simple. Ça a toujours été!" Il est cultivateur, avec maintenant une seule vache à l'étable... En hiver, il n'a pas grand chose à faire sinon laisser le temps s'écouler... Il est fataliste: être cultivateur ne rapporte plus comme au temps de grand-père...

Martha, la mère, est comme la Marthe de l'évangile. Elle est la servante de son seigneur et maître. Il demande à boire, elle remplit son verre. La fumée de son cigare menace de tomber sur le tapis, qui est délicat et où "on voit la moindre tache", elle apporte un cendrier. Il demande quand on sert la soupe, elle apporte le manger. Elle se contente de ce qu'elle a, de faire des mots croisés et de colporter les potins du village...

Hans junior, le fils, est de son temps. Il a fait un apprentissage de mécanicien. Il essaie de faire bouger les choses. En hiver, les touristes ne font que s'arrêter au pissoir du Rocher de la Cascade avant de repartir. Pourquoi ne pas faire quelque chose pour les retenir, et qui rapporterait? D'autant qu'ils viennent pour avoir de l'air frais et qu'ils donneraient cher pour vivre la vie saine de la campagne.

Anna, la fille, s'ennuie ferme, si j'ose, à Kleinseelen. Alors, quand elle est dehors, elle s'assied sur une pierre et regarde droit devant elle jusqu'à ce que ce qui l'entoure disparaisse et que son esprit s'évade. Au contraire de son père, qui répète, les pieds et les jambes dans ses bottes, qu'il ne faut pas penser mais agir, elle réfléchit et dit à un moment donné: "Suis-je comme je suis parce que je suis ici? Ou bien suis-je ce que je suis parce que c'est moi et que je suis comme ça?"...

Pour faire bouger les choses. Hans junior a donc une idée qui peut rapporter gros. Les touristes viendraient les regarder vivre par la fenêtre, c'est-à-dire regarder "un environnement intact", "une belle région et un monde qui n'a pas bougé", bref ce serait Un peepshow dans les Alpes. Il leur suffirait d'être eux-mêmes. Ils n'auraient rien de spécial à faire, sinon jouer ce qu'ils sont. Plus facile à dire qu'à faire...

En effet ils répètent avant de se donner en spectacle, mais la sauce ne prend pas. Alors, ils imaginent d'inventer quelque chose, quelque chose d'excitant. Seulement, quoi? Leurs suggestions sont toutes plus saugrenues les unes que les autres. Ils se rabattent donc sur une histoire de paysans, écrite jadis par un écrivain pour l'inauguration du nouveau gymnase...

Ce qui devait être la représentation de la vie saine d'une bonne famille de paysans helvètes se transforme d'abord en interprétation d'une pièce en habits folkoriques (les costumes sont de Marianne Braconnier), écrite par quelqu'un qui est peu soucieux des vraisemblances, où chacun joue le rôle d'un personnage qui n'est pas le sien: Hans junior devient Jacob, Anna devient Lise etc. Puis le peepshow se transforme encore et prend une tout autre tournure, les membres de la famille portant désormais perruques et jouant en playback...

De glissement en glissement, afin de donner aux touristes ce qu'ils veulent voir et de leur en donner pour leur argent, le peepshow actuel n'a plus rien à voir avec le projet originel. Alors que les Holzer souhaitaient montrer aux touristes de passage ce qu'était la vie préservée du monde moderne d'une famille d'un village de montagne, ils offrent le spectacle dénaturé, grimaçant, automatique, d'un monde complètement caricatural, susceptible de n'attirer que les payants de voyeurs.

Il faut saluer la performance des comédiens, parce qu'ils sont amenés à jouer à plusieurs reprises des scènes qui se ressemblent, avec des variantes, mais qui reprennent les mêmes séquences, lesquelles ne font que s'altérer au fil du déroulement de ce peepshow. Si, certes, on rit de bon coeur au début grâce à eux, imprégnés qu'ils sont de leurs rôles archétypiques et dérisoires, on rit toujours à la fin grâce à eux, mais ce rire est de plus en nerveux, comme s'il devenait nécessaire de rire pour supporter ce qui ressemble à un naufrage.

Francis Richard

Représentations:

Du 21 au 31 mai 2015:

Les jeudis, vendredis et samedis à 20h30

Les dimanches à 17h30

Réservations: http://www.theatre-du-chateau.ch

Adresse:

Théâtre du Château

Rte du Château 7

1814 La-Tour-de-Peilz

Tél: 079 411 50 59

Ce soir, au Café-Théâtre de la Voirie, à Pully, avait lieu la dernière du spectacle de Rachel Monnat, Le sexe de la modèle. Après avoir exhibé son corps nu à Saint-Imier, à Lausanne et donc à Pully, elle poursuivra sa tournée ce printemps à Villeneuve, à Sion et à Tramelan, et cet automne à Porrentruy.

J'avais un peu d'appréhension de retourner dans cette salle de Pully, après y avoir connu la grande émotion, et le magnifique cadeau de la part des comédiens, d'assister il y a quelques mois à la première d'une pièce dont j'étais le seul spectateur... Certes j'y étais retourné pour la dernière, où il y avait du public, mais l'empreinte de cette émotion demeure encore vive en moi. Ce soir, au contraire, il y avait foule. Et l'appréhension ne pouvait pas être la même.

S'agissant d'un spectacle où la comédienne joue entièrement dévêtue, je craignais, à tort, de me retrouver face à une pièce ennuyeuse, comme ces films d'Europe de l'Est que la chaîne Arte projetait à ses débuts, et où les acteurs philosophaient très doctement dans le plus simple appareil, ou de me retrouver face à une pièce vulgaire, avec propos salaces et assistance composée uniquement de voyeurs.

Rachel Monnat n'entre pas en scène nue ou enveloppée d'un peignoir. Elle n'aime d'ailleurs pas entrer en scène. Lumières éteintes, elle s'installe furtivement derrière un rideau tenu obligeamment par quelqu'un d'autre. Une fois qu'il est enlevé, on la devine qui tient la pose dans la pénombre. Et cette pose dure vingt bonnes minutes avant que le spectacle ne commence.

Pendant tout le temps de cette pose, Rachel Monnat observe la salle qui, bientôt, va la dévorer des yeux. Et les spectateurs, de leur côté, l'observent comme ils peuvent. Ils voient indistinctement qu'elle est allongée sur le flanc droit, ses bras cachant ses seins, son sexe disparaissant dans la fourche de ses jambes serrées. Elle ne bouge pas. Normal, une modèle est la plupart du temps immobile.

Le récit que fait Rachel Monnat dans cette pièce est autobiographique et, même si le spectateur ne le sait pas, il ne peut que s'en douter. Le texte écrit par la comédienne a un accent de vérité qui ne trompe pas. En tout cas son expérience de modèle nue devant des étudiants, lors de cours d'académie, devant des photographes ou devant des peintres privés, lui permet de révéler en connaissance de cause ce qui se passe dans la tête de celle qui pose.

Dans ce métier, car c'est un métier qui permet de gagner des sous "à ne rien faire", pour prosaïquement payer ses factures, les poses et les pauses se suivent et ne se ressemblent pas, et n'ont pas la même durée. On apprend, par exemple, que dessiner ou peindre un corps nu allongé est plus difficile qu'un corps debout, mais que dans ce cas-là la pose est plus douloureuse - on ne re-pose que sur les pieds - et plus suggestive. Pour bien faire comprendre les différentes poses, Rachel Monnat joint les gestes aux paroles.

S'exhiber ainsi lui procure un plaisir évident, même s'il y a toujours un peu de peur préalable à se retrouver sous les yeux d'un groupe. Mais ce plaisir est un plaisir innocent, si l'on admet comme elle qu'il n'y a rien de mal après tout à montrer les différentes parties de son anatomie. Encore que la nudité chez les êtres humains soit liée à la sexualité, aux fantasmes, surtout peut-être d'ailleurs quand le nu n'est pas intégral mais quelque peu vêtu...

Comme le teaser du Sexe de la modèle en apporte la démonstration, Rachel Monnat n'a pas à avoir honte de son académie qu'elle fait apparaître sous différents angles, s'interdisant seulement d'écarter les jambes, ce qu'elle n'a fait que rarement, devant des peintres privés. Ses hanches sont féminines, c'est-à-dire plus larges que sa taille, ses seins en poire, aux larges aréoles, se redressent quand elle lève les bras, ses poils pubiens en abondance dissimulent sa vulve, ce qui participe certainement davantage de son mystère que s'ils étaient rasés.

Ce spectacle est donc plutôt esthétique. Mais pas seulement. Les réflexions de la modèle exprimées par Rachel Monnat sont souvent ingénues, ce qui déclenche les rires: Le sexe de la modèle n'est pas triste, et, paradoxalement, l'entendre dire et chanter et le voir donnent plus volontiers matière à réflexion qu'à excitation. D'être dévêtue ne fait pas de Rachel Monnat une impudique, mais plutôt une femme sans attaches vestimentaires qui s'interroge à la fois sur la nudité de son corps en le dévoilant aux autres une heure durant et sur la liberté de son esprit qui fait sa singularité de femme.

Francis Richard

Site de Rachel Monnat : www.accrosens.com

Prochaines représentations en 2015:

Odéon à Villeneuve:

Les jeudi 26 mars, vendredi 27 mars et samedi 28 mars à 20h30

Réservations: www.theatre-odeon.ch  tél.: 021 960 22 86

Théâtre Alizé à Sion:

Le jeudi 16 avril à 19h00

Le vendredi 17 et samedi 18 avril à 20h15

Le dimanche 19 avril à 17h00

Réservations: www.alize-theatre.ch tél.: 079 714 23 41

CIP à Tramelan:

Le samedi 25 avril à 20h00

Réservations: www.cip-tramelan.ch tél.: 032 486 06 06

Salle des Hospitalières à Porrentruy:

Les jeudi 24 septembre, vendredi 25 septembre et samedi 26 septembre à 20h00

Réservations: tél.: 032 466 92 19

Teaser du Sexe de la modèle:

A notre époque il est de plus en plus rare que les sentiments, que les hommes ou les femmes ont les uns pour les autres, résistent à l'épreuve du temps. A les entendre, les uns ou les autres, il n'est le plus souvent question que d'ex... et rarement d'amours éternelles. Les amours ne sont décidément plus durables...

Dans Une semaine... pas plus, de Clément Michel, au-delà des rires que cette pièce enlevée ne peut pas manquer de susciter, ce thème est traité d'une manière plus profonde qu'il n'y paraît de prime abord. Car la précarité des sentiments a bien évidemment son revers... et ceux qui s'y livrent en font immanquablement un jour les frais.

Paul (Christian Baumann) fait ménage commun avec Sophie (Laurence Morisot) depuis seulement quatre mois. Et pourtant il ne la supporte déjà plus. Au point, non seulement d'avoir de mauvaises pensées, mais de mauvais rêves: il rêve par exemple qu'elle est écrasée par un camion et qu'elle en sort désarticulée. Et se réveille tout dépité de la trouver bien vivante, allongée à côté de lui.

Que Paul reproche-t-il à Sophie? Il ne le sait pas lui-même. Car elle est jeune et belle, affectueuse et attentionnée. Tout ce qu'il souhaite pourtant est que cette conne quitte l'appartement. Or, il est tout de même un peu gonflé de le souhaiter, parce que dans cet appartement il n'est pas davantage chez lui qu'elle chez elle, peut-être même moins, puisque tout le mobilier vient d'elle, hormis un affreux fauteuil de bureau.

C'est Sophie qui, sans le savoir, donne à Paul l'idée qui devrait lui permettre de la mettre dehors. Elle lui a dit incidemment qu'un ménage à trois n'était jamais tenable et qu'il y avait toujours l'un des trois qui finissait par s'en aller. Paul demande donc à son meilleur ami, Martin (Laurent Baier), de venir s'installer chez eux pour rendre la colocation insupportable et faire fuir Sophie. Martin n'est cependant pas très réceptif, parce qu'il souffre d'hémorroïdes, et ne tient pas à ce que cela se sache.

Comme Martin refuse d'aider Paul, à qui il manque la composante courage, ce qui est propre à la gent masculine actuelle, ce dernier se décide à forcer la main de Paul en racontant inopinément à Sophie que la mère de Martin est morte écrasée par un camion et qu'elle a été désarticulée - comme dans ses rêves de Sophie - et que Paul va s'installer un moment chez eux pour y faire son deuil.

Paul se rend chez Martin pour le prévenir de cette invention, mais, parallèlement, Martin se rend chez Paul et Sophie, laquelle a de la compassion pour Martin, dont la mère est morte dans ces effroyables conditions. Un malentendu, nécessaire à la poursuite de l'intrigue, naît de la douleur ressentie par Martin en son fondement... que Sophie prend pour celle d'un fils affligé, Paul survenant opportunément pour que Martin voit se refermer sur lui le piège tendu par son ami.

Martin s'installe donc. Mais Sophie lui réserve un bien meilleur accueil que Paul ne l'avait prévu. Car c'est indéniablement une belle âme, ce que rend très bien le jeu de la comédienne. Au grand dépit de Paul qui trouve que Martin est vraiment quelqu'un de trop bien et qu'il ne joue pas son rôle au sein du ménage d'empêcheur de tourner rond. Il lui intime donc de ne plus faire de la bonne cuisine, de ne plus faire de réparations domestiques, de ne plus se vêtir et comporter avec élégance...

Paul coache Martin pour qu'il devienne odieux et grossier. Martin se prête à ce jeu contre sa nature. Mais rien n'y fait. Sophie se réjouit que la douleur sorte enfin de Martin... et le trouve au fond très touchant, au point qu'ils finissent par tomber dans les bras l'un de l'autre et par coucher ensemble. A Sophie, Martin rappelle son ex qui était raffiné, alors qu'il faut bien dire que Paul est plutôt lourdingue, ce qui correspond très bien à son métier de pigiste dans une revue de machinisme agricole...

Les rôles s'inversent donc. Sophie demande maintenant à Martin de l'aider à mettre Paul dehors. Il lui manque la composante cruauté, ce qui est propre à la gent féminine actuelle. Paul constate que Sophie est de plus en plus épanouie depuis que Martin s'est installé et en tombe de nouveau amoureux... et il souhaite finalement que Martin s'en aille, ce que celui-ci ne veut plus... La situation ne peut pas rester en l'état. Et, de fait, elle n'y reste pas, la pièce se terminant sur une chute véritable...

Le comique de la pièce provient de paroles à double sens, de mots échappés et rattrapés de justesse, de situations inextricables dans lesquelles se mettent les protagonistes et dont ils ne sortent que par des rebondissements improbables, dus à des malentendus, comme, au début de la pièce, celui de la douleur de Martin qui ne se situait pas où Sophie pensait...

La pièce bénéficie de l'interprétation des comédiens qui incarnent à merveille les caractères marqués de leurs personnages - Sophie, la belle âme qui a de la bienveillance jusqu'à un certain point, Paul, le brut de décoffrage qui se croit très fort, Martin, le raffiné qui est embarqué malgré lui dans cette galère. De tels caractères ne peuvent que se frotter et faire fuser les rires par leur décalage.

Il faut également remercier, pour ces moments de pur bonheur, qui durent une bonne heure et demie de temps, le metteur en scène, Tony Romaniello, son assistante, Estelle Zweifel, et, pour la scénographie, Célia Zanghi et, pour les lumières, Loïc Rivoalan.

Francis Richard

Prochaines représentations jusqu'au 8 février 2015:

Mardi, mercredi, jeudi, vendredi, samedi à 20h

Dimanche à 18h

Lundi relâche

Adresse:

Casino-Théâtre

Rue de Carouge 42

1205 Genève

Réservations:

www.lesarts.ch